Самый популярный декор на фарфоре: экскурс в историю флорального декора

Какой один из наиболее распространенных сюжетов для украшения фарфора? Что изображают на фарфоре художники испокон веков? Ответ прост: флоральные мотивы. Редко когда человеку удавалось действительно превзойти природу по изобретательности, и природа вот уже долгие столетия служит бесконечным источником вдохновения художников и мастеров, ремесленников и архитекторов по всему миру. Сегодня хотелось бы провести краткий экскурс в мир расписных цветов и познакомить вас с историей этого популярнейшего предмета изображения.

Флоральный мотив флоральному мотиву рознь. На первый взгляд может показаться, что художник расписывает предмет декоративно-прикладного искусства цветами «просто для красоты», и без подсказки мы бы вряд ли задумались над тем, есть ли за этими красивыми замысловатыми цветочками какой-то смысл или системность. А они ведь есть! За растительным мотивом кроются особенности культуры и мировосприятия тех, кто его производит, а также местного региона и даже традиций.

Тема, несомненно, весьма широкая и требует уточнения. Для удобства я ограничусь декоративно-прикладным искусством, а именно — фарфором, одним из наиболее распространенных и любимых в этом виде искусства материалов.

Логично начать с родины фарфора, Древнего Китая, где волшебный белоснежный материал, которому было суждено покорить весь мир, начали производить еще в VI веке н.э. Изображениям цветов здесь издавна уделялось большое внимание.

Каждый цветок был не просто красивым, но наделялся своим особым, четким значением, философским смыслом. К примеру, лотос — это чистота, пион — богатство, орхидея — благородство и так далее. Также цветы активно использовались в религиозных ритуалах в качестве подношений и элементов церемоний. Помимо этого, цветы зачастую становятся объектом восхищения китайских поэтов: цветочная культура активно отражается в литературе.

Китайская флористика — особое искусство, существовавшее аж со Средних веков. Это не только составление гармоничных, красивейших букетов, но и искусство китайских садов. Китайский сад — настоящий космос, неотрывный от дома, со своей особой композицией. В отличие от японских примеров, в китайских садах сохраняется приближенность к дикой природе.

С учетом того, насколько колоссальное значение в культуре Китая придается цветам, можно догадаться, какова их трактовка в живописи и графике. Цветы китайскими художниками изображаются максимально натуралистично и правдоподобно. Фантазирование исключено: китайские мастера ничего не придумывают, не сочиняют того, что природой не предусмотрено.

К примеру, на данной тарелке из галереи «Однажды» в Москве, расписанной в середине XIX века, изображены красные пионы. Пион — один из наиболее почитаемых цветов в китайской культуре, символизирующий достаток, богатство и счастье. Это один из важнейших символов в искусстве Китая. Цветки пиона в исполнении китайского художника, хоть и явно стилизованы, но все еще легко узнаваемы.

Как же обстоят дела в европейском искусстве?

До XVI века западноевропейские флоральные мотивы представляли собой нечто фантазийное, сочиненное. Это касалось в целом любых изображений природы, к примеру, животных. Приходят на ум кажущиеся нам такими забавными средневековые картинки с кошками, львами и прочими зверями, которые разошлись по интернету на мемы. Что и говорить, натуралистичность не стояла у средневекового художника на первом месте в списке приоритетов!

Средние века — эпоха эпидемий и голода. Получить врачебную помощь обычному человеку, не располагающему большими средствами или титулом, было проблематично (вместо этого за помощью обращались, например, к монахам). Поэтому огромную популярность приобрело использование различных целебных трав. Неудивительно, что растения, будучи важной частью повседневной жизни, символом исцеления, стали также символом культурным. Флоральные изображения являлись важным элементом средневекового визуального искусства и активно применялись, к примеру, для создания гобеленов, которыми украшались интерьеры замков. Также великолепные по исполнению флоральные мотивы можно обнаружить на страницах религиозных макускриптов.

Растительные элементы активно использовались в качестве украшения и обрамления, однако не являлись самостоятельным изображением. Они надеялись глубоким религиозным смыслом, связанным с внешним видом цветка. Ведь каждый листик, каждую букашку своими руками создал Бог, соответственно, внешние признаки прямо указывают на смысл, кроющийся за цветком — примерно такой логикой руководствовался средневековый человек.

Важно отметить, что в средневековом искусстве представлены те виды цветов и растений, которые были распространены непосредственно в Западной Европе. Других примеров в жизни средневекового человека попросту не существовало.

Все кардинально изменилось с наступлением XVII века, который ознаменовал собой так называемую эпоху Просвещения. Этот век характеризуется пробуждением активного интереса к естественным и точным наукам, медицине и, как следствие, медицинским свойствам растений. Это время отмечено различными научными открытия в таких сферах, как астрономия, медицина, математика, физика, химия, а также ботаника.

XVIII век отмечен повышенным интересом к видам растений и их свойствам. Выходят замечательные ботанические атласы с сотнями иллюстраций. Известнейший пример — «Словарь садовода» (The Gardeners Dictionary) Филиппа Миллера, научный труд, к которому дополнительно шел сборник иллюстраций под названием “Figures of the Most Beautiful, Useful, and Uncommon Plants”. Данный атлас, помимо того, что является значимым для развития ботаники как науки трудом, также демонстрирует явно возросший интерес к диковинным, экзотическим растениям (в отличие от средневекового искусства, обращавшегося исключительно к локальным видам). Это, опять-таки, связано с Великими Географическими открытиями, положившими начало связи между отдаленными уголками Земли.

Именно тогда то, как растения изображаются, меняется кардинально: стилизация и фантазийность уступают место биологической точность и даже скрупулезности, невероятному уровню проработки.

Ботаническая тематика нашла отражение не только в научной литературе, но и в декоративно-прикладном искусстве.

Возвратимся к обозначенной в начале теме. Нам хорошо знакома история появления фарфора в Западной Европе. С установлением международных торговых путей и активным налаживанием торговли сюда устремилась волна восточных диковинок, в том числе белоснежный фарфор, поразивший воображение европейцев. Логично, что первые примеры европейского фарфора, как всегда бывает при заимствовании чего-либо из других культур, подражают в оформлении и декоре китайским образцам. Однако уже ко второй половине XVIII века они обретают художественную самостоятельность.

На знаменитой Мейсенской фарфоровой мануфактуре, первом европейском предприятии по производству фарфора, в XVIII столетии зарождается явление, известное как «ботаническая живопись». Название говорящее и пояснения не требует. «Ботаническая живопись» — явление, когда цветок сам по себе становится объектом изображения; создается своеобразный портрет цветка. Такая живопись изначально довольно суха и скрупулезна: художнику важно вырисовать мельчайшие складки и прожилки. Изображения растений графичны и линейны, и действительно напоминают скорее не живописное произведение, а иллюстрацию из медицинского справочника. Однако постепенно они становятся живописнее: свободнее мазок, интереснее композиция, плавнее линии. То, что изначально служило дополнением к научной литературе, превращается в отдельный жанр декоративного искусства.

На этой тарелке из музея Метрополитан, изготовленной в 1755 году, изображен цветок белого подсолнуха, экзотического цветка, родина которого — Северная Америка. Здесь же, кстати говоря, отражен еще один большой тренд в европейском фарфоре: обманки. Можно подумать, что по тарелке ползет букашка или на нее приземлилась бабочка, но нет, это часть рисунка.

Параллельно с интересом к экзотическим цветам наблюдается также внимание художников к местной флоре и фауне. Сразу вспоминается один из самых роскошных сервизов мира, Flora Danica, произведенный на Датской Королевской мануфактуре в конце XVIII — начале XIX вв. Источник флоральных изображений — одноименный ботанический атлас, работа над которым велась с 1750-х годов. Стиль исполнения действительно напоминает иллюстрации к атласу: очень точная передача биологических особенностей представителей флоры и фауны, графичность, отсутствие видимых мазков. Очень тонкая работа художника призывает склониться над тарелкой и поближе ее рассмотреть.

А вот пример того, во что превратился флоральный декор к следующему столетию. Чайная пара с крышкой, произведенная в Российской империи на заводе Батенина в 1814—1832 гг. На предметах изображен крыжовник и ромашки. Здесь наблюдается, с одной стороны, и ботаническая правдоподобность (вид растений можно довольно легко определить), и живописность. Изображения цветов стилизованы, мазки легко читаются, благодаря чему живопись выходит невероятно красивой.

Флора — это настолько привлекательный вид декора, никогда не иссякающий и невероятно универсальный, что его используют с древности по сей день. Мы бегло рассмотрели главные вехи в истории флорального декора, хотя, конечно, тема эта бесконечна и заслуживает, пожалуй, не одного научного исследования.

Подведем итоги. В Китае, на родине фарфора, цветы изображаются стилизовано, но близко к натуре, с соблюдением их ботанических особенностей, так что цветок в китайской живописи всегда узнаваем. В Европе эпохи Средних веков флоральный декор также пользовался популярностью, однако он был фантазийный, придуманный, с высоким уровнем стилизации. Все меняется с приходом века Просвещения: теперь изображения цветов идут рука об руку с научными трудами по ботанике и очень скрупулезны, точны, совершенно не стилизованы. Изображаются как местные растения, так и из очень далеких, недавно открытых краев. Постепенно изображения растений приобретают необычайную живописность.

А вживую увидеть прекрасные образцы азиатского, европейского и, конечно, отечественного фарфора с флоральным декором можно в антикварной галерее «Однажды» в Москве.

Ждем вас в гости!

Автор: Александра Альховская